Incontri con il cinema d'autore

10 - 17 - 30 Aprile, 7 Maggio Ore 20.45
Biblioteca Comunale di Villafranca

Si tratta di quattro incontri presso la Biblioteca Comunale di Villafranca con il professor Marco Bellano, docente di History of Animation all'Università di Padova che analizzerà quattro film cult che hanno fatto la storia del cinema. Durante gli incontri verranno anche proiettate e commentate scene e sequenze dei lungometraggi presi in esame.

La quota di partecipazione è di € 20,00 per i soci e di € 25,00 per i non soci.

Chiedi informazioni o iscriviti durante le proiezioni in Sala Ferrarini.

Il corso è realizzato con il gentile contributo dell'Associazione Moscacieca.

Che cosa rende un film “di culto”? Le variabili sono tante, e i meccanismi cambiano ad ogni epoca; fatto sta che Il grande Lebowski (1998) sembra aver centrato una di quelle alchimie destinate a restare vincenti per anni. I fratelli Coen, i registi, avevano già dimostrato ampiamente quanto sapesse diventare memorabile il loro stile tagliente, dal loro esordio Blood Simple – Sangue Facile (1984) allo spietato Fargo (1996). Il grande Lebowski, tuttavia, questo stile lo fa esplodere nel modo più stralunato e coerente, a cominciare dal protagonista, il cui soprannome italiano, “Drugo”, cela un ben più sfrontato “The Dude”: un nome che potrebbe essere di tutti e nessuno, e che però è ormai inestricabilmente legato all’eccentricità debordante del personaggio di Jeff Bridges. Eppure, come tutto il film, “The Dude” è anche segnato dalla malinconia: in lui rivivono gli anni Sessanta, dalla cultura hippy al bowling, passando per vena psichedelica che travolge volentieri anche molte delle più indimenticabili sequenze del film. Alla fine del secolo più breve e caotico della storia, insomma, “The Dude” sembra rinunciare a capirci qualcosa, lasciandosi trascinare in una storia più grande di lui; e così fa anche il cinema dei Coen, che però del cinema contemporaneo, e della sua irrefrenabile voglia di contaminare, contraddire e reinventare, sembrano invece aver capito proprio tutto.

Una commedia? Un film di fantascienza? Oppure di guerra? Nonostante siano passati sessant’anni dalla sua uscita, Il dottor Stranamore - Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba riesce, ironicamente, a farci ancora preoccupare. La Guerra fredda è finita, ma resta plausibile una fine del mondo innescata dal capriccio di pochi. Stanley Kubrick, pur prendendo spunto da un romanzo preesistente (Red Alert, di Peter George), decise di creare una trama sostanzialmente originale, che finì per trovarsi irresistibilmente trascinata verso la commedia nera quando il regista capì quanto assurda fosse la strategia di deterrenza reciproca tra USA e URSS. Del resto, tutto si fondava sulla certezza di una mutua distruzione, cosicché nessuno potesse aver voglia di fare la prima mossa; e l’acronimo di Mutual Assured Destruction è, guarda caso, MAD, “folle”. Serviva dunque un film di lucida follia, di cui fu chiave l’invenzione del personaggio celebrato dal titolo, che tra l’altro nemmeno compariva nel romanzo. Stranamore, il perverso genio nazista prestato alla causa americana, era un miscuglio di figure storiche quali i fisici Werner von Braun, Herman Kahn e Edward Teller, ma in lui rivivevano anche classici “scienziati pazzi” cinematografici quali il Rotwang di Metropolis, e soprattutto il talento istrionico di Peter Sellers, tanto debordante, in questo film, da riversarsi in ben tre ruoli. Quindi, in definitiva, che genere di film è Il dottor Stranamore? Chiederselo è interessante; ma, trattandosi di Kubrick, possiamo stare certi che la risposta non sarà scontata.

Tutte le fiabe iniziano con “c’era una volta”; perché dunque non fare lo stesso anche per le storie delle moderne mitologie popolari con cui l’America affascinò l’Europa nel Novecento, come il western e i film di gangster? Sergio Leone lo fece, un prima volta, con C’era una volta il West; era un modo per trasformare definitivamente in leggenda il lavoro fatto sul genere con la “Trilogia del dollaro”. Tuttavia, mitologia a parte, era anche l’inizio di una nuova serie di film, destinata ad essere la più politica e personale di Leone: la “Trilogia del tempo”, di cui C’era una volta in America (1984) costituisce culmine e sipario. Non sembra tuttavia un punto di arrivo, ma un nuovo inizio, tanta è la carica innovativa della labirintica narrazione; e infatti, paradossalmente, la stessa America celebrata (e criticata) dal film non ne capì il significato e si ridusse a tagliare e rimontare la vicenda in un mortificante ordine cronologico. C’era una volta in America, invece, si nutre proprio dei suoi molteplici piani temporali, che restituiscono la potenza dell’epica gangster attraverso la lente deformante delle debolezze e illusioni di un singolo, David “Noodles” Aaronson, ovvero Robert De Niro. Non sapremo mai, alla fine, se la sua storia sia sogno o realtà; anche la musica di Ennio Morricone, ormai lontana dai “tangibili” fischi e schiocchi dei western, alimenta ad arte il dubbio, tra armonie avvolgenti e lirismo soffuso. Ma non potrebbe essere altrimenti, del resto, se tutto inizia con “c’era una volta”.

Forse, in fondo, Il cielo sopra Berlino è una “sinfonia di una città”. Si chiamavano così quei film che, tra gli anni Venti e Trenta del Novecento, raccontavano in modo artistico la vita urbana, fondendo assieme documentario e film sperimentale. A dare il nome a questo singolare genere fu proprio un film dedicato a Berlino, di Walter Ruttmann; Wim Wenders, di sicuro, ricordava bene questo precedente. Del resto, il film raccoglie l’eredità di molti altri maestri. Solo la dedica dell’opera, ai tre “angeli” Yasujirō, François e Andrej, ci ricorda i nomi di Ozu, Truffaut e Tarkovskij, al tempo scomparsi da poco. La storia raccontata da Wenders, però, ha una vita propria, e un orizzonte vasto; pur parlando di angeli, non si può dire che essa segua modelli del cinema fantastico o religioso. Si tratta, piuttosto, di una celebrazione estatica, nata da elementi architettonici (gli angeli notati da Wenders in molti luoghi di Berlino), trasformati nei personaggi di Damiel e Cassiel, a cui infine si aprono le porte della realtà umana, per partecipare dei suoi piaceri e dolori. L’arco narrativo affidato a Bruno Ganz è particolarmente emblematico, e a lungo sarebbe stato ricordato come la sua interpretazione più memorabile. La città stessa insomma, grazie al cinema, si incarna; e lo fa per dare voce alla sua sofferenza e i suoi desideri, all’epoca in cui un muro ancora la tagliava in due.

Il docente

Marco Bellano insegna History of Animations all'Università di Padova. E' autore di pubblicazioni internazionali sulla musica per film e sull'animazione, tra cui Vàclav Trojan: Music Composition in Czech Animated Films (CRC Press, 2019).

Nel 2014 la SAS-Society for Animation Studies gli ha conferito il premio Norman McLaren-Evelyn Lambart per il miglior articolo accademico. E' stato chair del 29° convegno SAS (Padova, 2017). Dottore in ricerca di cinema, è diplomato con lode in pianoforte presso il Conservatorio di Vicenza. Ha poi intrapreso studi di composizione e si è diplomato con il massimo dei voti in Direzione d'Orchestra con Giancarlo Andretta

Incontri con il cinema d'autore

10 - 17 - 30 Aprile, 7 Maggio Ore 20.45 Biblioteca Comunale di Villafranca

Il docente

10 - 17 - 30 Aprile, 7 Maggio Ore 20.45
Biblioteca Comunale di Villafranca